La columna en línea “Piazza Navona” se complace en acoger un Encuentro de Arte muy especial. Hoy tenemos el placer de contar en nuestra plaza virtual con la artista argentino-portuguesa María Pacheco Cibils, que nos hablará de sus colores y sus obras.
Maria Pacheco Cibils: diseñadora y artista visual argentino-portuguesa que trabaja en arquitectura de interiores, escenografía, pintura e instalaciones. Su lema es el color, en plena armonía con los elementos y el movimiento flexible y perpetuo de la Naturaleza.
Esto es, de hecho, lo que se desprende de sus exposiciones individuales como Il Tempo sospeso, Luminescenza y Hŭmus (de las que Edizioni Sabinae editó y publicó los respectivos catálogos). El tiempo, la luz y la tierra se convierten en los ejes de la poética artística de María Pacheco Cibils, que, al cobrar vida sobre el lienzo, se convierten en materia viva deseosa de traspasar y superar la unidimensionalidad para adentrarse en la tridimensionalidad. Así, el color se convierte en protagonista y elemento de conjunción entre la idea y la materia, entre lo abstracto y lo concreto, entre la teoría y la práctica. El artista trabaja el color dejándolo auténtico, libre para respirar y entregarse al lienzo del que es absorbido, pero también capaz de dar vida a las formas, a la densidad, a la perspectiva, a las líneas y, de hecho, a la materia.
Las obras de María Pacheco Cibils traspasan los límites del lienzo para acariciar al espectador que, al mismo tiempo, se ve arrastrado al corazón de la obra y suavemente alejado para absorberla mejor en la mirada y la fuerza de su totalidad. Los lienzos del artista argentino-portugués son poderosos: saben a tierra, a luz, a tiempo… saben a vida y la elección de sus colores superpuestos pero bien distribuidos en el espacio son una prueba visual y tangible de ello. El espectador no puede sentirse parte del todo que el lienzo representa y por el que es amorosamente abrazado e implicado, eliminando por completo el desapego entre uno y otro, convirtiéndose en un cuerpo único, indivisible, armoniosamente perfecto. Sí, porque en esta relación que se crea hay una verdadera música marcada por la danza de los colores que nos regala el artista y los giros de vals que realiza la mirada para abrazar y adentrarse en el espíritu y la historia de la obra que observa.
Estas son exactamente las sensaciones experimentadas ante las obras expuestas en la exposición individual de María Pacheco Cibils titulada Hŭmus celebrada en la Biblioteca Angélica el pasado 2022 de octubre con motivo de la séptima edición de Raw Rome Art Week – La Semana del Arte Contemporáneo. Hŭmus se traduce del latín como suelo, terreno, tierra, y es con estas palabras con las que María Pacheco Cibils explica su significado y valor:
Sedimento profundo que permite el paso a la vida. Textura sutil y subterránea que favorece la fertilidad, la fecundidad y la creación. Elemento esencial para la existencia. Alma, espíritu, corazón y pulmón del mundo. Refugio, espacio abierto, gran madre, materia, sangre vital, oxígeno, aliento… Regeneración, renovación. Secreto, aliento ancestral, humedad verde, bosque de sombras azuladas, follaje, naturaleza en expansión donde los reflejos filtrantes brillan en los ojos. Sentidos y olores, sonidos y colores; un viaje sensorial cargado de energía en constante movimiento… una inmensa “mano verde” que para Michel Pastoureau se convierte en símbolo del destino, la esperanza, la naturaleza y la libertad. Cuidar el entorno natural es cuidar, recibir cuidados. Proteger este precioso patrimonio no es sólo un imperativo ecológico, sino también filosófico. Significa abrirse, extenderse, acoger el mundo en su interior para irradiarlo en cada momento vital.
Esta exposición de diecisiete grandes lienzos y una instalación es vida, tierra, sustancia, olores, sonidos… es la tierra que palpita, que respira, que intercambia su propio aliento con el del espectador que se ve acogido y agradablemente rodeado por una realidad casi otra, ancestral, salvaje y extremadamente real. Verde, amarillo, azul y rojo son los colores dominantes que se arremolinan, trepan y se expanden en el lienzo. Manchas y gotas de color expandidas que recuerdan no poco a las célebres obras del pintor estadounidense Jackson Pollock, aunque menos “agresivas” y más conciliadoras, relajantes, envolventes. Casi podría decirse que las obras de Pacheco Cibils promulgan una especie de colorterapia que estrecha en un abrazo fuerte y tierno a quien quiera acercarse a tanta maravilla y fuerza vestida y pintada (¡todo hay que decirlo!) con cautelosa y salvaje dulzura.
Y es con gran orgullo e inmenso placer acoger en nuestra plaza virtual a la Artista Maria Pacheco Cibils para que nos hable mejor de su Arte, de sus colores, de sus lienzos, de sus próximos proyectos. No se pierda esta interesante reunión sobre arte.
¿Cómo se produjo su encuentro con el arte y la pintura?
Soy un privilegiado en la vida, crecí en una familia que amaba el arte. De joven aprendí varias disciplinas: Danza (soy profesora de Danza Clásica, Española y Contemporánea), estudié piano, guitarra, Historia del Arte, soy licenciada en Diseño. Lógicamente en mi camino creativo tenía que dar un salto más y elegí Pintura e Instalaciones. Asistí a una escuela de pintura en Roma.
¿Cómo definiría su estilo pictórico?
Hago pintura abstracta con un lenguaje matérico gestual, se podría decir expresionista informal, con estratificación e inclusión de materiales heterogéneos que acentúan la idea de tridimensionalidad.
¿Qué artistas y obras han influido en su arte y en su forma de ser artista?
¡¡¡Tantos!!! Los clásicos, el impresionismo del siglo XX: Burri, Fontana, Mark Rothko, Hans Hartung, el genial Vedova. Entre los Contemporáneos siento gran admiración por la obra de Soulages, Anish Kapoor, Gherard Richter y Anselm Kiefer.
¿Cuál es la obra de arte (pintura, escultura, performance, instalación, etc.) que le hubiera gustado pensar y realizar? ¿Y por qué?
La que aún no he hecho, la que aún vive en mi inconsciente…. porque tiene que encontrar la luz, existir… Es pura magia…
Sé que le voy a hacer una pregunta difícil, pero ¿de dónde o en quién se inspira para su trabajo?
De la vida, de la naturaleza, de los sueños, de las películas, de los grandes maestros. Sin embargo, creo profundamente en el trabajo y siempre tengo presente el dicho: 10% inspiración 90% transpiración del gran Rudolf Nureyev.
Ya ha sido adoptado por Roma, donde vive y trabaja. ¿Qué puede decirnos de su relación con Roma? ¿Ha inspirado alguna vez la “Ciudad Eterna” alguna de sus obras, alguna de sus creaciones?
Toda Roma es una fuerte inspiración para mí. Vivir en la ciudad más bella del mundo es sin duda un estímulo constante. Su “Gran Belleza” despierta los sentidos y la voluntad de hacer. Es mi lugar del alma.
Tiempo suspendido, Luminiscencia y Hŭmus son sus exposiciones individuales cuyos protagonistas son el tiempo, la luz y la tierra. Aquí: ¿qué relación tienes con estos tres elementos?
Mis investigaciones se centran en la investigación de los cuatro elementos de la naturaleza y los procesos de transformación del ser humano. Son, por tanto, una fuente de observación continua.
El pasado mes de octubre, su exposición individual Hŭmus se celebró en la Biblioteca Angelica de Roma con motivo de RAW- La Settimana di Arte Contemporanea. ¿Qué le ha dejado esta experiencia y el contacto con visitantes, turistas y otros artistas de todo el mundo?
Toda exposición, especialmente una individual, deja un montón de experiencias maravillosas. La energía de la gente y el intercambio con el público y los artistas son cruciales porque el Arte es Comunicación y siempre recibo una carga que me regenera. Es difícil estar desnudo. Esto es lo que hace un artista: muestra su ser más profundo con gran valentía, no tiene piel…. es duro, ¡es impactante! … hay que pasar miedo…
La mayoría de sus obras son de un tamaño considerable, ¿a qué se debe esta elección en particular?
Me siento cómodo en espacios muy grandes. Quizá porque vengo de un lugar donde la inmensidad siempre está presente….
Todas sus obras tienen colores bien definidos en todos los tonos y son tan consistentes que van más allá de la bidimensionalidad, parecen salir de sus lienzos al encuentro del público. ¿Cómo crea esta relación íntima con el color que también recuerda a la pintura de Pollock?
Mi relación con los colores es íntima, fuerte, violenta, física. Del diálogo continuo con ellos surgen también nuevos matices y su intensidad en una estratificación constante.
De la fase de concepción a la de realización: ¿cuál es la fase más compleja de su trabajo? ¿Y por qué?
¿La más compleja? Cada fase tiene su propia preparación, su propio tiempo, su propia importancia siempre en gran concentración, para llegar al final y entender cuando el trabajo está terminado… quizás esta es la fase más compleja: el final.
¿Cuáles son sus próximos compromisos profesionales y artísticos?
La agenda 2023 está bastante llena: a finales de enero expondré en Roma en una galería muy conocida, en marzo estaré en Venecia con una Exposición Personal, en octubre me invitaron a participar en la Bienal de Florencia y participaré como siempre en RAW y estaré de nuevo en la Galería Biblioteca Angélica. Roma es ahora mi segundo hogar. ¡¡¡Hay otras propuestas aún por definir y un programa de trabajo en España y Portugal que me hacen muy feliz!!! Un año interesante, ¿verdad?
